NOTTENERA'26

Tre Stelle è uno spazio liminale dove tutto è possibile, dove la pittura si espande su differenti superfici: tenda abitata sulle pareti da tre sogni e all’interno da le “Antenate”, tre figure femminili alle quali si giunge attraverso un varco della tenda, metafora di un viaggio trans-generazionale che vive tra le figure della ceramica. Fuori le immagini/specchi, gioco fra pittura e ceramica, ci rendono partecipi del rito del nostro essere qui ora.

Il titolo della mostra prende i versi di un antico haiku scritto dal poeta e samurai giapponese Mizuta Masahide (1657-1723) che tocca con straordinaria forza evocativa i temi del dolore, rinascita e cambiamento. Da questi sentimenti e riflessioni nasce l’opera principale della mostra, Albero di stelle, che indaga l’oscurità come dimensione di cambiamento e di luce. L’opera è realizzata appositamente per Nottenera grazie ad una residenza artistica a Serra de’ Conti che precede il festival.

Il buio come silenzio essenziale.

Abbiamo bisogno di silenzio tanto quanto abbiamo bisogno di aria, tanto quanto le piante hanno bisogno di luce. Se la nostra mente è affollata di parole e pensieri, non c’è spazio per noi. In esso troviamo la preghiera, non intesa come richiesta di favori e quindi occasione di riempimento, ma al contrario come svuotamento per riempirsi.

Nella notte troviamo la vita contemplativa, la vita di coloro che dedicano la loro esistenza alla riflessione e alla lentezza. La cultura frenetica nella quale viviamo ci porta ad un continuo “iperfare”, un nervoso bombardamento di stimoli che porta solo ripetitività ma nulla di nuovo e duraturo.

Non sappiamo più come guardare le cose che ci circondano, ricorriamo a continui stratagemmi, sperando che ci aiutino a vedere meglio. Forse chiudendo gli occhi, nel buio...ci si può aprire una luce, milioni di luci.

Per liberarci da questo giogo, abbiamo bisogno della notte, di staccare la spina e di “non-fare”. L’ oscurità non ci chiama all’ozio e all’inattività, ma a riflettere prima di entrare in azione nel modo più efficace, deciso e creativo.

Non siamo esseri urbani ma esseri umani e la notte ci riporta in armonia con il cosmo, con la natura...e quindi con il sacro. Un albero che tende all’infinito, sempre più in alto, nel blu più profondo.

Nei tumultuosi tempi che stiamo passando, spegnere la luce per vedere meglio ci dà positività, ottimismo. Nelle difficoltà si creano crepe che possono aprire nuove possibilità, altre luci, molteplici stelle.

Carmine Bellucci

L’Art Tour e la mostra saranno accompagnati dalle letture dei racconti di Toon Tellegen interpretati da Elena Bucci - Le belle bandiere, registrazione e cura del suono di Raffaele Bassetti - Moderatrice Talk Claudia Palmarucci - Traduttrice Talk Giulia Catani

La mostra Non c’è due senza te, l’amore perfetto di “Due vecchie signorine" nasce dal libro “Due vecchie signorine”, 22 racconti di Toon Tellegen illustrati da Goele Dewanckel e tradotti da Laura Pignatti, pubblicati in un’edizione stampata in serigrafia in tiratura limitata da Else.

L’amore, il piacere, l’amicizia, la gelosia, ma anche la paura, la vergogna e solitudine delle due vecchie signorine prendono vita nella scrittura di Toon con frasi cristalline, precise, mai ridondanti che le tengono sospese e tese, sempre a mezza strada fra l’amore insistente e la morte incombente. Amiche, nemiche e amanti che affrontano la vita così com'è, tra candore e malizia, gioie e dolori, senza poter fare a meno l’una dell’altra: “Smettere di amarti? disse. E cosa posso fare allora?”.

L'ironia, il surreale e l’assurdo di una vita amorosa messa in scena risultano al tempo stesso disincantati e toccanti, tanto nelle parole quanto nelle immagini di Goele Dewanckel che sa dare forme sempre nuove e sfaccettate ai corpi e alle emozioni delle due signorine.

Qui si può toccare. Uno spazio poco illuminato che invita a fare esperienza con i sensi, a scendere nella caverna, nel sottosuolo interiore dove creature residue e dimenticate aspettano di essere animate e scoperte per agire un immaginario. Quello del Babau in quanto paura delle paure, la sua indefinitezza arcaica e primitiva che si trasforma e attraversa età e generazioni. Ogni materia immaginata è immediatamente l’immagine di un’ intimità.

Buio è assenza di luce, luce è tante cose e assenza di buio. Buio è tante cose. C’è un buio per ognuno, com’è fatto il mio buio? E il tuo? Il buio sommerge, cela. Dal buio si viene alla luce. Come sondare l’insondabile?
Come addentrarsi nell’intimità del buio e scovare ciò che teniamo nascosto, anche a noi stessi?
Se nominiamo qualcosa, se riusciamo a percepirlo, dunque gli diamo presenza e forma con le parole che si traducono in immagine, significato nella nostra mente. Dunque è buio ciò che non riusciamo a nominare, ciò di cui non conosciamo i confini e a cui non sappiamo dare un nome.
C’è un sentire buio? Una zona liminale, che proviamo nel corpo, che sentiamo intorno e dentro, che assomiglia al vuoto e che è buio finchè non ci riponiamo attenzione per poi riempirlo con un senso, un aspetto che per noi risuona con la nostra idea di buio? Buio è vuoto?
Buio fa paura?
Il buio cambia in misura di ciò che riusciamo a immaginare.
E’ nel buio della notte custode dei nostri segreti che si annida il Babau. Il Babau ovvero la bestia che abita l’oscurità, la paura delle paure arcaica e primordiale. Recondita creatura poliforme e indefinita, lo spauracchio dell’infanzia, la stonatura che si nasconde tra le cose note e increspa la familiarità, il punto in cui si sente uno spostamento dal proprio asse verso l’ignoto, lo sconosciuto che fa paura.
Il Babau è un mostro che si muove perché agìto da un immaginario…..ma come ogni immaginario si trasforma quando lo tocchiamo.
“Se non fai il bravo viene il Babau e ti porta via” si diceva ai bambini e nelle campagne non c’era “veglia” senza spaventosi racconti. Vale lo stesso per il terzo cipresso del cimitero, per ogni angolo buio di borghi e case coloniche, la casa della vedova o peggio della strega. E’ dietro quell’angolo non illuminato che si nasconde l’Uomo nero o viceversa l’Homo blanco. E’ risaputo che nella pancia del diavolo è sempre buio. Siamo la progenie di una favola contadina che sta al diavolo come Cappuccetto rosso a Lupo. Va anche detto che le favole di un tempo non svaniscono con l’età adulta ma ci accompagnano per tutta la vita e, come le migliori superstizioni, abitano intere generazioni. L’utilizzo della paura come strumento di controllo di massa non è certo un'invenzione recente, ma permette oggi l’istituzione di enormi laboratori a cielo aperto. Molto spesso la cultura dominante e menzognera ivi istalla delle invalicabili colonne d’ercole, errori pedagogici di tutti i tempi, in cui l’adorazione del limite come irreggimentazione della curiosità esclude a priori la possibilità di scendere a patti con la paura.
Dunque come mutano e che sembianze hanno oggi i nostri Babau? E come familiarizzare con le nostre paure per addomesticarle, riconoscerle e depotenziarle? Soltanto i Babau ci possono accompagnare su questi sentieri di montagna poiché sono in verità la miscela perfetta di fascino, timore e adorazione liminale …. è il momento in cui la paura stessa ti si posa accanto e ti prende per mano.

Perché la marionetta? Per la sua capacità di farsi tramite, strumento archetipico e simbolico capace di creare nuovi miti e accendere l’incanto. Che sia un rituale magico o il gioco puro, infondere vita all’inanimato e svelare l’anima delle cose, la vita residua che è in loro. Perché una marionetta che sia anche “tattile” ?
Questa è la sfida che muove la ricerca nel suo divenire. Il “tatto” come veicolo dell’immaginazione. Le superfici, i dettagli, le forme, come anche il peso, il dondolio, l’equilibrio, per sondare l’intimità della materia… poiché l’immaginazione non è altro che il soggetto trasferito nelle cose. Vuole essere un invito paritario ad agire un racconto, a rallentare, a sbrinare la ripetizione per rientrare nel mondo sensibile, che abbia come tessitura la scoperta di possibili linguaggi e come narrazione il linguaggio stesso. Agire il dettaglio come fosse animare il riposo. Come in una notte accadranno molte cose contemporaneamente, in questo buio abbiamo l’opportunità anche di non vedere, di abitare uno stimolo alla volta, al riparo dalle insegne luminose e dai visual bombing. Al buio l’immaginazione è più viva, si sospende la gerarchia della visione e si attiva il pensiero analogico, l’intuizione. Non è un topos quantitativo ma qualitativo. Può essere una scoperta paziente o un incontro distratto. L’unico piano comune è la paura, come nel mondo là fuori.

Alessandra Stefanini

La corsa dei draghi è una installazione interattiva ludica che unisce scultura, gioco e partecipazione collettiva. Costruiti con carta, plastica ed altri materiali, i draghi sono concepiti come monumentali marionette mosse e guidate tramite fili e sistemi di controllo manuali. I partecipanti, divisi in squadre, li guidano e li trainano nello spazio, dando vita a una competizione spettacolare. L'azione trasforma l'installazione in un evento dinamico, dove l'atto stesso del gioco diventa parte integrante dell'opera. I draghi si alzano, ondeggiano e planano nell'aria, creando l'illusione di un volo reale e trasformando lo spazio in un paesaggio surreale e poetico.

Strumenti dell’Indugio è un rituale alt-pop visionario che intreccia folk, elettronica e simbolismo. In un mondo dominato dalla velocità, Glomarì costruisce un “Teatro dell’Anima”: uno spazio sonoro dove l’ascoltatore è invitato a sostare, perdersi e riscoprire il mistero. Tra mitologia, psicologia e narrazione onirica, l’album trasforma il caos contemporaneo in un viaggio enigmatico e surreale, tra futuristic folk, folktronika e pulsazioni ipnotiche e psichedeliche.

Mivergogno fa urlautorato. Sì, è una parola inventata, ma dopo averlo ascoltato tutto acquista un senso. È il punto d’incontro tra cantautorato, urgenza espressiva, ironia e quel bisogno irresistibile di dire le cose come stanno, anche quando fanno un po’ male.

Le sue canzoni raccontano paranoie, relazioni complicate, entusiasmi improvvisi e piccoli disastri quotidiani con testi sinceri, autoironici e senza troppi giri di parole. Si ride, ci si riconosce, ci si emoziona e, ogni tanto, ci si prende anche qualche schiaffo emotivo. Ma con affetto.

Dal vivo, accompagnato dalla band, Mivergogno porta sul palco un concerto intenso, coinvolgente e decisamente imprevedibile. Si passa da momenti da cantare a squarciagola a parentesi più intime, senza mai perdere energia. Il risultato è uno spettacolo che mescola potenza e fragilità, leggerezza e profondità, lasciando al pubblico una sola certezza: l’urlautorato, alla fine, esiste davvero.

L'artista ucraina di stanza a Berlino GANNA porta in scena un'affascinante performance solista: un viaggio immersivo in cui l'antica tradizione incontra sonorità contemporanee audaci. Descritta da London Jazz News come dotata di un "talento straordinario - quasi magico - in musicologia, composizione e canto", GANNA si è affermata come una delle voci più coinvolgenti della scena jazz e world music europea. Da oltre un decennio reinterpreta il ricco folklore della sua terra d'origine, trasformando canti d'archivio in paesaggi sonori moderni e vividi, capaci di risuonare ben oltre le loro radici.

Il suo ultimo album, UTOPIA - definito da ARTE Journal "una potente ribellione contro la disperazione" - racchiude l'essenza della sua visione artistica: la musica come atto di resistenza, memoria e rinnovamento. Dopo i successi di HOME e KUPALA, GANNA continua a superare i confini musicali, fondendo voce, elettronica e strumenti rari in un'esperienza che è al contempo intima e di ampio respiro.

Sul palco, GANNA crea interi mondi in tempo reale. Attraverso l'uso di loop, effetti, campionamenti e il guitaret-synth, costruisce composizioni stratificate partendo da una singola linea melodica; la sua voce guida il pubblico attraverso trame ritmiche e armoniche in continua evoluzione. Ciò che inizia in modo semplice si dispiega in un paesaggio sonoro ricco e imprevedibile: profondamente radicato nella tradizione ucraina, eppure straordinariamente contemporaneo.

Il suo repertorio nasce da ricerche sul campo condotte in tutta l'Ucraina, plasmato dagli incontri con cantanti dei villaggi e dalle storie orali tramandate di generazione in generazione. Questi frammenti di memoria vengono reinterpretati con urgenza creativa e immaginazione, dando voce a una cultura che continua a resistere e a evolversi.

GANNA presenta ora il suo potente set solista: una performance tanto toccante quanto elettrizzante.

Dalga è una DJ e producer con base a Berlino, il cui percorso nasce dalla musica elettronica underground e da una profonda curiosità per il luogo, il suono e l'esperienza collettiva. I suoi set si sviluppano come viaggi immersivi, intrecciando texture organiche, ritmi profondi e percussioni essenziali. Per questa performance si lascerà ispirare dalla geologia, dagli elementi naturali e dall'atmosfera del luogo, creando un paesaggio sonoro che invita al movimento, all'ascolto e alla connessione.

Dramaturg Lorenza Guerrini
Sound design Simone Arganini
Props ATTO SECONDO laboratorio scenografico
Assistenza Marialice Tagliavini
Distribuzione Andrea Martelli
Progetto sostenuto da CollettivO CineticO nell’ambito di IPERCINETICO
Ospitato in residenza P.A.R.C. / Fabbrica Europa - Festival Nottenera - Campsirago Residenza

Fanno rumore i pensieri? Sì. Non solo nei fumetti. Mumble Mumble è, in effetti, un rumore che si diffonde ovunque, che abbraccia e non lascia mai soli. Una musica, una danza, un caos che diventa l'unica realtà possibile. Lo spettacolo trasforma questo labirinto psichico in un’esperienza collettiva, dove il corpo smette di essere un organismo coerente e la danza si fa glitch, errore di sistema: l’azione e la parola sono i sintomi di una mente che fatica a tradurre il proprio ronzio interno in una narrazione lineare. Il movimento ospita un traffico di pensieri che non abbiamo scelto, ma che malgrado tutto ci compongono.

Uno spettacolo ospitato in residenza da NotteNera negli scorsi mesi, firmato da Giulio Santolini e Lorenza Guerrini.

Di e con Consuelo Battiston e Gianni Farina
Con la partecipazione musicale di MUNI
Scultura Oscar Dominguez
Consulenza sonora Mirto Baliani
Organizzazione e promozione Andrea Martelli, Marco Molduzzi
Amministrazione Stefano Toma
Produzione E Production/Menoventi, Drama Teatro

La veglia è una serata trascorsa in compagnia, un ritrovo faceto che offre la possibilità di ascoltare storielle e buona musica. Però la veglia è anche la condizione dello stare svegli, è sinonimo di attenzione, ci invita a non abbassare la guardia.

In occasione dei venti anni di attività, Menoventi ha elaborato una serata che fa leva sul piacere dello stare insieme. L’ironia filosofica dei racconti condivisi offre alcuni spunti di riflessione sul mondo in cui viviamo; il riferimento narrativo principale è Le cercle des menteurs di Jean-Claude Carrière, che dispensa fin dal titolo alcuni preziosi suggerimenti per la messa in scena: un cerchio di persone riunite attorno a una fiamma simulata. Quella fiamma è reale come le storie narrate, come le menzogne della verità e le rivelazioni sconcertanti bisbigliate dalla finzione.

Le storielle filosofiche si intrecciano a giochi e sfide collettive per non dimenticare mai il contesto, la cornice di quel determinato spazio e del nostro tempo: il gioco ci mette sempre in contatto con la nostra presenza nel mondo, dominata dall’istante.

L’opera di Carrière interroga il lettore su alcuni nuclei che interessano da sempre Menoventi: la percezione della realtà, l’inganno, lo scherzo, il libero arbitrio, il potere, il tempo, l’ironia come veicolo per riflettere sulle questioni più amare.

Trash test è un collaudo distruttivo delle potenzialità dell’AI di produrre materiali teatrabili. Un happening dove, in collaborazione con gli spettatori, si chiede all’AI di produrre tranci di scene, dialoghi e trame sempre nuove, per metterne alla prova all’istante l’efficacia e con la stessa mossa carnevalizzarne ogni pretesa di senso. È la voluttà di riaffermare la priorità del performativo sul letterario. Uno spettacolo clownesco e partecipativo per liberarsi di quel senso di sopraffazione di fronte al ridondante proliferare di contenuti nella rete e all'infinita capacità di produzione testuale delle tecnologie cibernetiche. Trash test è un teatro che non fa testo, perché gioca a disfare testi, gettandoli nel mezzo dell’arena e facendogli la festa.

L’uomo è ciò che mangia e l’Intelligenza Artificiale è nutrita da 15 anni di web in cui nuotano infinitamente più testi di quanti prodotti nei precedenti tremila di storia umana, geroglifici compresi: diciamo all’incirca 2% Sofocle e Dante, 18% manuali e trattatelli di vario genere e argomento, e 80% esternazioni social come “quando ho cominciato ad amarmi davvero, mi sono liberato delle persone che mi tiravano giù” o “se volevo essere solare, nascevo pannello”. Il suo funzionamento statistico fa sì che l’AI sia costitutivamente l’apoteosi del mainstream, dunque un ottimo mezzo per smascherare, deformandole con la lente dissacrante di un teatro ruvido e veloce, le combinazioni semantiche, le strutture drammaturgiche e i cliché emotivi che pure, se ben confezionati, ci appassionano, ci commuovono o addirittura, come si dice, ci fanno pensare. Ma anche, e più radicalmente, il gioco punk di Trash test vuole essere una opportunità per ridicolizzare allegramente l'Ego autorale, la pretesa di chiunque, uomo o macchina, di arrogarsi la paternità di un’opera, e dell’opera di porsi al di fuori dell’infinità dei giochi linguistici, che poi, come diceva Wittgenstein, sono forme di vita. E in definitiva detronizzare la presunzione di ogni intelligenza, naturale o artificiale che sia, di parlare, anziché di essere parlata, e aprire così varchi gioiosi di depensamento comunitario, che è poi un’ottima definizione di quello che dovrebbe essere il comico.

L’artista internazionale delle ombre cinesi Drew Colby unisce il suo caratteristico umorismo eccentrico alla sua straordinaria arte delle ombre cinesi per uno spettacolo memorabile; è come un cabaret di ombre. Qui vedrete John Lennon che immagina un mondo migliore, un coniglio klezmer inseguito da un lupo, un canguro techno, un inseguimento virtuosistico nel selvaggio West e alcune sorprese di ombre nel mezzo. Le tecniche tradizionali delle ombre cinesi si mescolano a vecchi numeri con nuovi colpi di scena, divertimento da sbellicarsi dalle risate e bellissime scene sospese sotto la superficie del mare.

Sebbene “Shadows in the Street” non abbia una trama, ogni singola scena sviluppa il proprio piccolo dramma, la propria piccola favola in cui voi, il pubblico, potete decidere la morale della storia (se ce n’è una), prima di tuffarvi nel finale chiassoso, buffo e di grande maestria.

Di Alice Alessandroni, Anna Mancini, Luisa Rotatori e Sara Tonucci

Sulle orme... è un tributo, un omaggio, un dono che riconosce il prezioso percorso che, grazie alla guida di mestre e maestri, nel tempo, ha condotto alla fioritura di un sogno, quello di volare!

Le Meraklides sono coloro che fanno le cose con il cuore, anche quando nessuno guarda.

Affrontare Moby Dick appare un’impresa quasi impossibile. Si rischia di venir travolti da un’onda di immenso sapere enciclopedico. Eppure, pagina dopo pagina, si trova il proprio posto nell’equipaggio e si avvistano le profondità umane. Moby Dick: trenta polmoni di cuoio (presagio di una specie) è una ricerca che si immerge nel rapporto tra il capitano e la sua ciurma, andando a caccia degli invisibili vincoli che da sempre agiscono nelle trame dell’animo umano, portandolo a volte all’autodistruzione.

Dappertutto ci sono dei fili. I fili sono diversi, come sono diverse le persone. Possono essere sottili e forti, leggeri e robusti. Certi fili si chiamano legami. Sono invisibili ma molto tenaci. Le strade sono fili che uniscono le persone. Ci sono fili che è bello seguire per scoprire che cosa c’è in fondo…

Esiste un sapere custodito nelle mani, un pensiero che procede per gesti. Intrecciare, annodare, cucire, tessere: ogni filo tende una relazione, ogni trama costruisce uno spazio condiviso, ogni ordito rende possibile l'incontro tra elementi differenti. In questo libro le pagine si offrono come una narrazione fatta di punti di attraversamento in cui il vedere, il toccare e il ricordare coincidono. La lettura è un gesto lento, quasi un esercizio di prossimità con la materia, nel quale il significato emerge dall'esperienza dell'intreccio e delle parole. Il filo attraversa, connette, ricuce. È una linea che conserva la memoria dei luoghi, dei corpi e dei gesti che ha attraversato. Ogni cucitura è insieme ferita e riparazione, distanza e possibilità di incontro. In questo dialogo tra regola e variazione si manifesta un'idea di conoscenza che non procede per accumulo, ma per connessioni, risonanze, corrispondenze. Questo libro chiede di essere abitato. Di seguire i fili che attraversano la carta come si seguono i sentieri di un paesaggio o le storie di una comunità.Ogni pagina diventa un luogo di relazione, dove la materia custodisce una memoria e l'intreccio si offre come immagine di una possibile forma dello stare insieme: fragile, aperta, continuamente da costruire.

Dappertutto ci sono dei fili. I fili sono diversi, come sono diverse le persone. Possono essere sottili e forti, leggeri e robusti. Certi fili si chiamano legami. Sono invisibili ma molto tenaci. Le strade sono fili che uniscono le persone. Ci sono fili che è bello seguire per scoprire che cosa c’è in fondo…

Esiste un sapere custodito nelle mani, un pensiero che procede per gesti. Intrecciare, annodare, cucire, tessere: ogni filo tende una relazione, ogni trama costruisce uno spazio condiviso, ogni ordito rende possibile l'incontro tra elementi differenti. In questo libro le pagine si offrono come una narrazione fatta di punti di attraversamento in cui il vedere, il toccare e il ricordare coincidono. La lettura è un gesto lento, quasi un esercizio di prossimità con la materia, nel quale il significato emerge dall'esperienza dell'intreccio e delle parole. Il filo attraversa, connette, ricuce. È una linea che conserva la memoria dei luoghi, dei corpi e dei gesti che ha attraversato. Ogni cucitura è insieme ferita e riparazione, distanza e possibilità di incontro. In questo dialogo tra regola e variazione si manifesta un'idea di conoscenza che non procede per accumulo, ma per connessioni, risonanze, corrispondenze. Questo libro chiede di essere abitato. Di seguire i fili che attraversano la carta come si seguono i sentieri di un paesaggio o le storie di una comunità.Ogni pagina diventa un luogo di relazione, dove la materia custodisce una memoria e l'intreccio si offre come immagine di una possibile forma dello stare insieme: fragile, aperta, continuamente da costruire.

Le mancanze ancora disponibili è un incontro con la parola come suono ancor prima che come significato, per assaporare la potenza del poco in questa lettura di versi dove ogni elemento testuale, dalla punteggiatura quasi assente allo spazio bianco, vuole concorrere a dare forza al testo. Versi editi e "cantati" precedentemente in altri contesti, così come parole nuove che sono parte di un progetto ancora sotto la cenere.

DivertiCirco è uno spazio allestito con giochi di legno e oggetti di giocoleria funzionale costruiti con materiali di recupero. Manualità, attenzione, riflessi e ingegno attivano la coordinazione e la sfida con se stessi nel riuscire a portare a termine ogni azione. La Giocoleria funzionale propone i movimenti classici del giocoliere in orizzontale - e non in verticale, dove la “gravità” costituisce spesso un limite nell’approccio ed uno stress psico fisico importante!. DivertiCirco è per tutte e tutti, accessibile per persone con disabilità.

Un viaggio affascinante tra le meraviglie del cielo estivo, che prende il via dagli antichi miti delle costellazioni per atterrare all'osservazione via telescopio della Luna, delle stelle e degli oggetti celesti che il cielo offre durante NotteNera.

Suoni sotto il Cielo sopra Berlino è una rassegna di cortometraggi d’autore pensati per un pubblico adulto, scelti e proposti dal soundesigner internazionale Andrea Martignoni: lo Speciale è dedicato alle opere cui ha collaborato dal 2017 ad oggi, durante la sua permanenza berlinese. Tutte tranne una…scoprirete quale a Nottenera!

‘In questi tempi tecnologici trasferirsi in un’altra città e in un altro paese, appare come una cosa relativamente semplice e senza particolari conseguenze sul proprio lavoro quando il lavoro faccia parte della sfera creativa. Questo non toglie che vivere sotto un altro cielo, in una città molto diversa da quella di origine, e con contatti quotidiani che cambiano, caratterizza in modo diverso anche la sera lavorativa e creativa.’

I primi venti anni di vita di Nottenera sono anche i primi venti anni di collaborazione con Andrea Martignoni. Grazie alla sua presenza, il linguaggio del cinema d’animazione è parte rilevante della identità del nostro festival fin dalla prima edizione.

La piazza dedicata al cinema d’animazione anche per questa edizione rivolge una particolare attenzione ai più piccoli. Una ricognizione mondiale di opere straordinarie che raramente potranno essere viste in altre occasioni in Italia. Per questa edizione abbiamo deciso di affidare la selezione dei cortometraggi a Cinefilante, realtà fiorentina con cui Nottenera collabora da anni e che desideriamo presentare in occasione dei nostri venti anni di vita.

Dieci tracce in uscita il 4 settembre per Sumo Records. Un disco che parla di una provincia, quella della Ciociaria (la provincia di Frosinone), ma che finisce per raccontarle tutte: la sensazione che le possibilità di costruire il proprio futuro si restringano, la noia quotidiana, il bivio tra restare o partire pagandone il conto emotivo ed economico. La penna di Addivvi corre su temi diversi, dall'inquinamento lasciato dalle industrie sul territorio alla mancanza di prospettive lavorative reali, dai laureati che vanno via a chi resta e riprogramma aspettative e sogni, senza romanticismi e senza mitizzazioni, accostando riferimenti pop, cultura alta e quotidianità, passando dall'ironia tagliente alla riflessione, fino a uno storytelling asciutto. Un disco corale ma profondamente biografico, che cambia pelle da una traccia all'altra: leggero e ironico in certi momenti, cupo e rabbioso in altri. Le produzioni, firmate da Addivvi, ajcv, DALA ed Her Nice Too, alternano elettronica, jazz e hip hop, tra sample malinconici, ritmiche squantizzate e groove più agitati. Completa il disco la voce di Lauryyn, unico feat, in Rumore Bianco.

“Nbrojò” è un’installazione composta da un video-loop animato. A differenza dei precedenti progetti, questo nasce come “jam session” senza una precisa idea di critica politica, inserendosi in un periodo più libero di studio e sperimentazione delle tecniche di animazioni. Ciascuna inquadratura è prodotta su un foglio di carta formato A5 con cere a olio richiedendo diverse ore di lavoro; tempo preziosissimo che viene sfruttato per immaginare l’inquadratura successiva e le possibili svolte visive.

L’idea che guida la realizzazione dei fames è l’“Nbrojò” (dal marchigiano “imbroglione”), idea che viene sostenuta anche dal montaggio attraverso un continuo ribaltamento della percezione sulle immagini animate: da quello che sembra un paesaggio rurale, l’animazione svela il corpo di una mucca; da quella che sembra essere una mucca, l’animazione svela altro.

L’opera continua a imbrogliare lo spettatore e di conseguenza a interrogarsi su quale delle percezioni sia “più vera” delle altre, per poi infine rompere questa domanda grazie alla forma “loop” del video dove tutte le possibilità convivono.

Il progetto Faccio Corto! si sviluppa attorno ad un percorso laboratoriale integrato che riguarda la Sezione Protetti della Casa Circondariale di Ancona Montacuto. Il laboratorio di animazione in stop-motion è dedicato alle persone detenute per fornire alcuni strumenti espressivi e creativi di autonarrazione, che vanno dalla musica al disegno animato e non. Faccio Corto! è un progetto realizzato nei primi mesi del 2026, pensato da Arci Jesi Fabriano in collaborazione con NotteNera e sostenuto dai fondi Otto per Mille Chiesa Valdese.

A raccontare questa esperienza l'antropologa sociale Valeria Bochi, curatrice della ricerca etnografica del progetto, e Matteo Giacchella, animatore e docente del percorso

NotteNera vuole avvicinare i linguaggi dell'arte contemporanea al pubblico: cosa c'è di meglio per farlo che creare dei momenti di condivisione? Da qualche anno l'Art tour è il prezioso momento per incontrare gli artisti visivi ospiti in apertura del Festival. La passeggiata, accompagnata da Sabrina Maggiori e Carolina Mancini, direttrici artistiche del Festival, prende avvio alle ore 18.30 dentro i Giardini Maiolatesi, nella mostra Tre Stelle di Anna Capolupo. Da qui si camminerà verso Carmine Bellucci, Stefano Fiorina, Alessandra Stefanini e Goele Dewanckel e le loro meravigliose opere!

Tanti giovani talenti con cui da anni collaboriamo, si ritrovano complici attorno alla realizzazione della sigla del Festival che sarà possibile vedere in apertura dello spazio cinema dedicato ai più giovani e agli adulti in due diverse fasce orarie.