Appartenenza, condivisione, interazione, sentirsi parte di un gruppo in cui vivere e viverci nel nostro luogo, interiore ed esteriore. Agli antipodi: esclusione, solitudine, isolamento, sentirsi fuori luogo fino a toccare il fondo. E allora, che fare?

Ripartire da zero, dagli istinti primordiali e intraprendere un viaggio che parte dal luogo esteriore verso la riscoperta di se stessi: RESPIRARE, SCOPRIRE, VIVERE, per riuscire a SOGNARE ed IMMAGINARE,  imparando ad  ACCOGLIERE.

Un percorso di gruppo per uscire dall’anonimato invisibile e riflettersi nei colori dell’esperienza. Esistere in quel gruppo, LUOGO, in cui è possibile esprimere liberamente la propria identità.

KK (Redux) è una riflessione politico-performativa sulla proprietà territoriale e sull’identità culturale, filtrata da un’ironia cruda e pungente; una traduzione coreografica contemporanea dell’estetica di un’infanzia post-comunista.
Qual è la relazione tra cittadinanza, libertà e immaginazione?
Come nuovo cittadino europeo, Glen esplora le sue origine albanesi con suo fratello Olger, anche lui emigrato in Europa negli anni ’90. Entrambi, da punti di vista e condizioni diverse, si confrontano sul palco attraverso i ricordi rispettivi del loro paese d’origine, un’Albania pre-globalizzazione nella quale hanno vissuto la loro giovinezza.

L’uovo e il pelo è la storia di una nuova teoria sull’inizio del mondo e di un uomo, Woto, che si scervella per capirne il senso. Gli indizi che segue per essere guidato nella sua affannosa ricerca sono i disegni del misterioso mazzo di carte. Per questo il testo nasce dalle immagini e le immagini si fanno largo tra le parole. L’uovo e il pelo è un esercizio di fantasia e d’immedesimazione in qualcosa che non appartiene al nostro mondo. Uno stimolo alla volontà di scoperta, all’apertura verso le idee e le culture degli altri, al rispetto per la diversità. D’un colpo scardina le verità che già da bambini si danno per scontate. Lavora sulla capacità d’astrazione dalla realtà e dalle convinzioni, per far accettare un punto di vista totalmente altro.

Ne l’uovo e il pelo non c’è una volontà didattica, niente viene imposto come insegnamento, ma anzi, tutto è svelato per essere capito dal personaggio insieme ai bambini. E il meccanismo che nasce è quello di ricavare senso e parole dalle immagini, per costruire insieme una nuova realtà. Non in un libro quindi, ma in delle carte sta scritta e si vede, la nuova storia del nuovo inizio del nuovo mondo.

La storia di un uovo più solo che sodo, che cadde d’un colpo su un mucchio di terra. La Terra. In terra a quei tempi più solo dell’uovo, un pelo si ergeva. Un botto. Il guscio scoppiò, il tuorlo si scosse, l’albume si perse in nuvole bianche.

Per il resto, domande rimangono a fiotti,. A tante si trova risposta, ognuno la sua, o una per tutti. Le altre magari anche senza potere ci viene di farle e va bene così.

È nato prima l’uovo o il pelo?

Di e con DIEGO CARLETTI e LUCIANO MENOTTA
Approccio ai personaggi maschera SANDRA CAVALLINI
Creazione e realizzazione matrici maschere SIMONA TONTI
Realizzazione maschere in cuoio DIEGO CARLETTI e LUCIANO MENOTTA
Costumi ROSA GIANCAMILLI Senigallia
Scenografie ICIRCONDATI
Tecnico luci ALESSANDRO AGOSTINELLI

DIAPASON è uno spettacolo per il teatro che nasce da uno studio di ricerca sull’uso della mezza maschera in cuoio affiancata all’arte del clown. 4 personaggi per 2 attori. Due servi di scena (personaggi maschera) e due musicisti inconcludenti. Il gioco dei corpi, messi in luce dalle mezze maschere, si unisce alla comicità frontale clownesca. Il fallimento crea l’assurdità. Lo spazio diviso da un sipario minimale viene all’improvviso capovolto creando dei retroscena, dei non-visti, che portano lo spettatore in una condizione di grande complicità e intimità. Due storie che si intrecciano per poi fondersi e ribaltarsi in un carnevale di comicità. Un esempio di contemporaneità nella Commedia dell’arte e nel Clown. DIAPASON è un salto nel vuoto senza rete di protezione, è uno spettacolo fatto di musica, di verità, di nudità, di fame, di sete e di amore.

LUOGHI
In DIAPASON utilizziamo un piccolo sipario che ci permette, grazie anche al gioco luci, di lavorare lo stesso spazio trasformandolo in più luoghi. Lo spazio diviso dal sipario viene all’improvviso capovolto e gli spettatori condotti dal gioco teatrale in un clima di grande complicità e intimità si ritroveranno a "sbirciare dal buco della serratura" i due attori. In DIAPASON lo spettatore vive e vede due luoghi assolutamente diversi, lo spazio si trasforma senza utilizzo di scenografie che lo caratterizzano. Le diverse attitudini degli attori nei diversi luoghi creano il gioco, la comicità.

Come un Ulisse moderno, viviamo spesso sommersi nella nostalgia di poter ritornare un giorno in quel posto che ci è più caro: il nostro corpo. A volte, per potere vivere in una società dell'iperconsumo produttivo, ci allontaniamo da noi stessi.
Come un marinaio distratto, guardando indietro improvvisamente, ci accorgiamo che non riusciamo a vedere la terra da cui siamo partiti.
Vogliamo prenderci una pausa per entrare in contatto con noi stessi e con gli altri, con la natura che ci circonda e con il mare che ci nutre... decolonizzando il corpo: quell'intimo luogo a cui vogliamo ritornare.
Performance finale di un percorso formativo internazionale attraverso la contact improvisation, il tai chi, il tango, la voce in movimento ed il linguaggio della luce e delle ombre.

La Marlon Banda, come si evince chiaramente dal nome, prende ispirazione da uno dei più grandi attori del cinema che il mondo abbia mai conosciuto: Jerry Calà. Ma non dilunghiamoci oltre: La Marlon Banda nasce nel lembo di terra che separa la Romagna dall’Inghilterra, il liscio dal punk-rock, gli anni ‘60 dal 21° secolo. È in questo luogo non meglio definito che, in un tempo anch’esso indefinito, si ritrovarono casualmente cinque artisti di prim’ordine: un sax, una tromba, una fisarmonica, un ukulele (quello simile ad una chitarra molto piccola...sì esatto, proprio quello lì) ed una batteria. Da questo incontro/scontro di civiltà prende vita una banda fondata sulla commistione di clown e musica, sul riarrangiamento ritmico ed armonico di canzoni e musiche di ogni tempo e genere, sul parossismo delle situazioni create dai musicisti stessi... e proprio il loro estro in perenne evoluzione, la loro fantasia scoppiettante e i loro strumenti in imperitura ricerca della giusta intonazione hanno raccolto esperienza per un’intera orchestra! Difficile aggiungere altro, altrettanto difficile è togliergli alcunché.
Tutto questo e molto altro ancora è la Marlon Banda!

Durante Nottenera festival, gli artisti della Marlon Banda saranno portati in trionfo dall’apeparade: la ruggente parata aperta dai 5 apecar serrani più amati dalle piazze!

LUOGHI
Se alla Marlon Banda gli chiedi: ma il vostro spettacolo come si relaziona al tema dei luoghi? La Marlon Banda prima fa una faccia interrogativa. Ma siccome poi non vuole far la figura di quella che fa solo la comicità ma che dietro c'è tutto un pensiero filosofico, che Radio3 in confronto è il sussidiario delle elementari con le operazioni in colonna e i confini dell'Italia, allora la Marlon Banda ti risponde: Il luogo? Forse è il laddove che ci costringe in un simposio di sentimenti che non sai se sei qui, là, su o giù e quindi: ubicati. Ma soprattutto: c'è parcheggio?

La Compagnia di giovani danzatori Mi La Danse (nata nel 2014) dedica uno spettacolo alle Donne Partigiane, sottolineando il loro ruolo centrale e specifico nell’ambito dei fatti di guerra che tanto hanno segnato il nostro territorio. R-ESISTENZE è la storia di una partigiana di Cabernardi, la postina Maria Rossini che, spinta da un sentimento di amore, sfidò la tortura e la morte pur di realizzare ciò che sentiva di dover perseguire. Un elogio alle donne attiviste che si battono per la libertà e per i valori di una cultura per la vita.

LUOGHI
Fin dal principio R-ESISTENZE è stato pensato come un’evocazione in cui non siamo noi a rivolgerci ai protagonisti o ai luoghi di questa storia, ma sono proprio loro che anelano a rivelarci le tracce del loro passato, a renderlo visibile, a dissotterrarlo. I luoghi e le persone presenti nella performance sono del territorio vicino a Serra De' Conti, e sono memorie che ci incitano a resistere alla perdita di valori quali libertà e rispetto per gli altri. Questi luoghi, spazi di una terra e di una identità culturale, sono i luoghi che vogliamo raccontare per riconfermare la nostre coscienze individuali.

“Superstizione e principi religiosi ridotti a vuoti simulacri, a una sorta di coazione a ripetere, si intrecciano a un’ironia tagliente e spiazzante, che in più di un punto dello spettacolo fa scoppiare il pubblico in aperte e divertite risate”. L'estraneità e l'attesa di Sembra ma non soffro non rappresentano antidoti al dolore, sono semmai una degenerazione della sofferenza, tanto che nulla sembrerebbe legare le due figure in scena al tema che le ha scaturite, nulla tranne essi stessi, posti su due inginocchiatoi ma con niente di cui pentirsi, né qualcuno a cui rivolgere una preghiera.

Nello spazio tra le parole c'è altro. Il solito pensiero indicibile o forse qualcosa di più.

Come figure incasellate nella striscia di un fumetto aspiriamo a un altrove, e ci dibattiamo come sbavature di un disegno nel recinto angusto della vignetta.

La Trilogia si colloca nell’ambito di un teatro di ricerca che recupera il valore epico ed essenziale della parola, con la creazione di una drammaturgia che non si compie a tavolino ma nello spazio stesso dell’azione; diretta e scarna, improbabile ed ecumenica nel suo avvicendarsi tra i canali insondabili dell’indicibile.

LUOGHI
Di tutti i luoghi che possiamo attraversare in vita ce n’è uno che possiamo attraversare solo con la mente. È l’aldilà, l’oltre, il mai raccontato. Ma è anche il luogo della spiritualità, oggi sempre più disabitato. Aldilà e spiritualità sono i luoghi che attraversa Sembra ma non soffro, esplorati con lo sguardo terreno del dubbio e del disincanto, sfiorando e disintegrando con la parola quei dogmi che ingombrano e falsificano il presente. Ma in definitiva il nostro luogo è l’assurdo, che sfugge a google maps e alla sagra della patata.

Pensando ai luoghi e al loro immaginario, penso che spesso le regioni aride danno fiabe spigolose. I paesi acquatici, storie più morbide. Ma a volte è il contrario: in un luogo buio nasce una fiaba luminosa, e il deserto può partorire storie di fiori.
Le fiabe, mica son lontane dal vero. Sanno di realtà. Vera o desiderata ma concreta, esistente.
Per Terra e per Mare l’ho raccontato all’aperto e al chiuso, al caldo e al freddo.
Alcune storie vengono dall’Africa, come quella del Sole e della Luna che invitano l’Acqua a casa loro, o del Leprotto che riesce a sconfiggere un Elefante Border Line.
Il Lupo del Centro Europa, con la sua ossessione per i capretti.
E Nonna Miseria, in Spagna, che possiede solo un albero di pere ma i monelli gliele mangiano tutte.
Ce ne sono altre, volendo. Anche una fiaba zingara, di Ogni Dove.
Spesso poi finisco con l'Omino di Niente di Rodari, dove il luogo è azzerato. O forse c'è, ma di niente.
Comunque è un contenitore, una scacchiera geografico/fantastica dove ogni volta possiamo spostare le pedine del viaggio. Io, spettatori, pupazzi e oggetti.

“Ero bambino, tra gli anni ’70 e gli anni ’80, quando arrivarono in Italia i primi cartoni animati giapponesi. Era l'Italia delle stragi, del rapimento di Aldo Moro, delle Brigate Rosse e dell'ascesa di Silvio Berlusconi e delle sue televisioni, ma questo io non lo sapevo ancora. Ignaro di trovarmi nel bel mezzo degli anni di piombo, vivevo l'infanzia tra robot d'acciaio”.

Ispirato liberamente all'opera di Go Nagai (Jeeg Robot, Goldrake, Mazinga), lo spettacolo è il divertito ed autocritico racconto di una generazione cresciuta davanti alla Tv e ripercorre per frammenti la storia italiana attraverso il resoconto delle trame dei singoli episodi dei cartoni giapponesi (con particolare attenzione per la sceneggiatura di Mazinga Z) e la ricostruzione storica di un’invasione: quella dei serial nipponici nei palinsesti pubblici e privati, ma anche quella della televisione dentro le nostre teste.

LUOGHI
Ecce robot! è un luogo astratto, di ricordi e nostalgie, bellissimo: l'infanzia. Ma Ecce robot! è anche un luogo concreto, soffocante, manipolatorio, in cui formiamo la nostra prima sensibilità: la famiglia.

Ecce robot! è un paese che ci contiene e ci imprigiona, anche lui soffocante e manipolatorio: l'Italia. Ma Ecce robot! è anche un altro paese, un Giappone immaginario e lontanissimo, guardato con curiosità mitizzante dagli allora bambini e visto, dagli allora adulti, come pericoloso, violento, minaccioso per la nostra identità e i nostri mercati.

Ma Ecce robot! è anche il non-luogo dove vediamo tutti gli altri luoghi diventare un non-luogo: la televisione.

Ma Ecce robot! è soprattutto qualcos'altro che mi sfugge, forse è il palco vuoto dove un tizio si costringe a incarnare con furore gli eroi della sua infanzia, il luogo dell'eterno e inutile rimpianto per una vita che, tutto sommato, vista dalla prospettiva dell'infanzia pareva parecchio più caruccia.

Perché tutto sia consumato, perché io sia meno solo, mi resta da augurarmi che ci siano molti spettatori il giorno della mia esecuzione e che mi accolgano con grida di odio.
A. Camus

Amleto Fx è un'indagine sulla moda del deprimersi dei nostri tempi. Uno spettacolo che parla di castrazioni tecnologiche, della mancanza dei padri, dell'attrazione verso la dissoluzione e dell'eco assillante che tutto questo causa nelle nostre coscienze. Questo non è l'Amleto. È un assolo generazionale. Un racconto intimo e globale che attraverso il riso amaro vuole spingere a trovare una soluzione al solito, annoso, banale, scontato ma comunque sempre irrisolto quesito: Essere o non Essere?

Un uomo, un principe, che per comodità chiameremo Amleto, si è rinchiuso nella propria stanza e ha deciso di non uscirne più. Vuole farsi da parte e per farlo medita un gesto estremo, un gesto che lo liberi per sempre da tutto il marcio della Danimarca: il suicidio. Brandelli di storia ci aiutano a comprendere il perché del suo intento. Sappiamo che c'è un padre, un re, morto e una madre, una regina, che non ha perso tempo e si è risposata col fratello del marito defunto e poi se n'è andata in barca a Forte dei Marmi. Sappiamo che Orazio, il miglior amico di Amleto, ha organizzato una festa e che tutti andranno, compresa Ofelia. Lo sappiamo perché il computer, l'unica “finestra” sul mondo che Amleto tiene ancora aperta, continua a vomitare messaggi. Sappiamo che Amleto ne ha abbastanza di tutto e di tutti, anche di Rosencratz e Guildestern, due “ragazzi di vita” che della loro grezza incoscienza ne hanno fatto una religione. Delle cause questo e poco altro sappiamo. L'importante sono le conseguenze, i propositi maniaco (essere)-depressivi (non essere) scaturiti da questi accadimenti e dalla masochistica solitudine che Amleto si è imposto per dire finalmente basta e farla finita. Per trovare la forza Amleto invoca tutti i miti del suo (del nostro) tempo, tutti quei personaggi famosi che, in un modo o nell'altro, sono riusciti a porre fine all'assurdo gioco della vita. Attraverso le loro disperazioni cerca di dare un senso alla propria mentre un cappio, appeso in proscenio, aspetta solo di essere utilizzato.