NOTTENERA '25

Tessere è una pratica lenta, un sapere antico che si fa con le mani e con il tempo. Significa formare trame, un incastro perfetto che tiene insieme unità diverse in un unico manufatto, nato per vestire, proteggere, riscaldare. Tessere è anche un esercizio: un’azione ripetitiva, una tecnica tramandata e imparata.

È difficile non trovare punti di contatto tra l’arte della tessitura e quella del disegno, protagonista di questa mostra di Roberto Catani. Qui il disegno diventa un intreccio di frammenti, storie e tempi diversi, che concorrono insieme alla creazione di un unico arazzo disteso nel tempo e nello spazio.

Qui, nella Chiesa di San Michele di Serra de’ Conti, sono esposte tavole tratte da alcune serie di disegni, realizzati in un arco cronologico di circa un decennio, dal 2002 al 2010: un tempo lungo e fecondo, compreso tra la realizzazione de La funambola (2002) e La testa tra le nuvole (2013), due dei film animati più celebri di Catani. In mostra alcuni frame disegnati, frammenti di quest’ultimo film: una mano che cuce un bottone, l’ago che attraversa il tessuto, il filo che unisce. Un gesto domestico e minuzioso che diventa emblema dell’intera esposizione.

Se il tempo che scandisce queste opere è quindi chiaro, più sfumato è lo spazio che le contiene: quello della quotidianità, delle aule della scuola dove Catani insegna, del pendolarismo giornaliero e dei soliti spazi attraversati giorno dopo giorno; lo spazio del nutrimento fatto di incontri, letture, paesaggi osservati dal finestrino.

Quello che Tessiture vuole evocare è quindi uno spazio-tempo infruttuoso, quello della pausa e del silenzio, in cui si intrecciano esperienze e suggestioni che, come in un telaio, vanno a tessere qualcosa di inedito e inaspettato, spesso così simile alla vita. Le tavole qui esposte, per lo più svincolate da un progetto concluso, sono un campo di prova per una sperimentazione formale volta a superare le consuetudini stilistiche. Se la riconoscibilità formale e poetica è ciò che si chiede a un giovane artista, la continua ricerca e il desiderio di superare sé stessi sono il segno distintivo dei grandi. E allora questo tempo largo tra un progetto e l’altro, diventa lo spazio del crescere e del mutare. La tecnica cambia e si evolve, ma il sentire rimane immutato, meravigliato.

Ecco allora, tra questi fogli ripescati dai cassetti: una ragazza alle prese con fantasmagorici calzini; una Cappuccetto Rosso surreale, in dialogo con un lupo fin troppo amichevole; oggetti quotidiani, come forchette, trasformati in presenze estranee e indecifrabili; vecchine alate ispirate a un romanzo ormai dimenticato. Il filo che unisce tutte queste immagini è l’esaltazione del potere dell’immaginazione: una fuga dall’ordinario, un tessuto in cui ogni filo è una storia e ogni storia è un invito a guardare al di là.

Suoniamo insieme da circa vent'anni e l'abbiamo sempre fatto prima per noi stessi, fuori da chissà quale logica arrivistica, attraversando percorsi diversi, divincolandoci dal modo "giusto" di fare le cose, preferendo quello autentico. Sembrerebbe un sentiero dorato, ma il rischio di questa scelta, quella di assomigliare a sé stessi, è di ritrovarsi, mano a mano, fuori da tutto, di perdersi a costo di arrivare, miseramente, a realizzare di aver perso tempo.
Il significato dell'espressione in sé è nel riconoscersi in qualcuno di simile a sé, come in amore. L'amore non è un sentimento che ruota attorno all'utilità, all'efficienza, alla produttività, piuttosto ha a che fare con l'improduttività, con l'accrescimento e con la dispersione di energie in un cammino che accomuna, che appaga, ma allo stesso tempo separa dal resto del mondo. Per questo sentimento abbiamo preferito non arrivare per forza a tutti, ma a chi si riconoscesse in noi. Ci siamo chiusi in una casa in campagna per quattro mesi a scrivere. Come compagno solo un asino di nome Natalino. Ora, nel disco che ne è venuto fuori, "gli innamorati", abbiamo la fortuna di aver collaborato e di collaborare con persone che hanno creduto e credono in quello che facciamo, mettendo in gioco anche il cuore. Dall'oblio in cui ci trovavamo immersi, solo questo ci ha permesso di continuare, di continuare ad essere innamorati di ciò che si è, quindi di essere riconosciuti, ritrovandoci di nuovo a percorrere strade senza una meta certa, ma comune.

Dopo anni di gavetta amatoriale, nel 2024 debutta con l'album Arriva... Pietro Mio!, continuum poetico fra due estremi: tenerezza e nevrosi, curva e spigolo, liscio e intricato si fondono e si fomentano in testi frizzanti e in produzioni strumentali originali ispirate alle sonorità new wave anni ’80, composte da Roberto Grosso Sategna, in arte DIECI.

Voci e timbriche ariose si mischiano in contrasti, influenze elettroniche e suoni distorti, portandosi all’estremo della cantabilità, allo scopo di rendere la voce al pari di un elemento di produzione musicale. Con il suo ultimo album La Maccaia, la musicista che estende le radici nel campo della sperimentazione di canzone, tradizione ed elettronica.

Da pizzica e tarantella nasce la sua passione per la musica popolare, spostando il focus su Africa, Sud America, Middle East e Sud Asia. Questa giovane dj, romana con radici solide in Puglia, ha un obiettivo: portare nei set un mix di ascolti recenti e preferiti, musica popolare ed elettronica, field recordings e banger di etichette indipendenti sparse nel mondo. Accanto a kwaito, afro-bass, cumbia, gqom, dabke e baile funk rimane salda la presenza di influenze dub, reggae e ska. Linea comune: percussioni e bassi.

Rievocati come spiriti e come forza antica originaria di queste terre, i canti a batocco di tradizione marchigiana si rivelano nella notte, fra le mura del paese: classificati e definiti dai ricercatori di musica popolare “discanti”, erano canti intonati per scandire lavori e stagioni delle nostre campagne

Grossi e stranianti baccelli di tessuto accolgono il visitatore nel chiostro del Monastero di Santa Maria Maddalena. Forme sospese, silenziose, che paiono esseri provenienti da un altro tempo e da un’altra geografia, e che tuttavia parlano un linguaggio familiare: quello della natura.

Fiumi e ombelichi è il titolo della mostra che Jessica Moroni presenta nell’ambito di Nottenera, un progetto che intreccia ricerca artistica contemporanea e riflessione ambientale. Due installazioni – Belly Button (2024) e Ríos (2025) – compongono un percorso incentrato sul legame profondo tra uomo e natura, attraverso l’elemento primordiale e imprescindibile dell’acqua: simbolo di vita, accoglienza e nutrimento ma anche di trasformazione, evoluzione e cambiamento.

Nella pratica artistica di Moroni, la riflessione sulle interconnessioni tra l’essere umano e il mondo naturale è centrale. Ogni organismo e ogni processo vitale è parte di una rete invisibile di relazioni e interdipendenze che regola la propria e altrui esistenza. Ricordarlo, anche attraverso il linguaggio artistico, significa rifiutare la narrazione dell’uomo come padrone assoluto del pianeta e accettare, invece, di far parte di un sistema più ampio che vive ben oltre i nostri desideri e le nostre volontà.

In Belly Button (2024), l’artista propone un’installazione ispirata alle forme organiche della natura: baccelli di tessuto nero, ingigantiti, dalle linee sinuose. Sono ventri pronti a generare, custodi di possibilità latenti. Infatti, il nero assoluto che li avvolge è il colore che trattiene in sé tutte le possibilità, tutte le immagini di ciò che ancora non esiste. È il colore della terra umida, dell’oscurità in cui avviene la germinazione, dello spazio intermedio tra la vita e la morte, in cui si compie il ciclo della rigenerazione.

Ríos (2025) porta questo processo a una fase successiva: qui le forme di tessuto imbottito si fanno più colorate e si arricchiscono di elementi naturali vivi. Non più semi in potenza ma flora germinata, fiorita e traboccante di vita. L’opera si ispira al fenomeno dei “Rios Voadores” (fiumi volanti), correnti d’aria cariche di umidità che scorrono invisibili nei cieli dell’Amazzonia, trasportando enormi quantità d’acqua. Sono fiumi sospesi che irrigano terre lontane, permettendo la vita in vaste aree del continente sudamericano. In questa prospettiva, il cielo non è più un elemento distante e separato ma parte integrante della Terra: un ventre immenso in cui le acque generative si accumulano, scorrono e si riversano sulla superficie, donando la vita. È un’immagine potente che ribalta le gerarchie abituali: non solo la terra ma tutto, le acque e il cielo, è madre e fonte di vita.

A chiudere la mostra, due grandi acquerelli descrivono visioni nate durante sessioni di meditazione: qui le esperienze personali e il sentire dell’artista si fanno più intimi ma riflettono il medesimo invito ad immaginare un modo diverso di abitare il mondo, in ascolto e in relazione attenta con tutto ciò che ci circonda.

Fabulae in fabulas è la mostra che Michael Bardeggia propone per Nottenera negli spazi del Museo delle Arti Monastiche di Serra de’ Conti. Il titolo, in latino, rimanda al carattere speciale del luogo che la ospita: un museo che racconta di spiritualità, di tradizioni e mestieri, evocando le antiche pratiche monastiche, la regola del lavoro e narrazioni tramandate nei secoli. Ma la “favola nella favola” è anche un richiamo diretto all’approccio compositivo dell’artista perché ogni sua immagine non si ferma mai a un primo livello di lettura. Ogni soggetto custodisce piccoli dettagli, elementi e particolari che ci accompagnano subito a un’altra storia o a un significato più nascosto. In ogni disegno, il simbolismo è una porta aperta che invita l’osservatore a entrare in un mondo di rimandi e suggestioni.

Nella serie Mostri mitologici (2020), Bardeggia rappresenta sei figure leggendarie tratte da tre tradizioni diverse: Medusa e il Minotauro dalla mitologia greca, Hela e il Troll da quella norrena, Oni e Tengu dal pantheon giapponese. Queste presenze, raffigurate come un totem centrale, sono circondate da piccoli elementi e personaggi che ne svelano le storie, in un racconto leggendario che va ricostruito a piccoli passi: bambini spaventati nella notte, giovani in caduta con ali di cera, animali vivaci che si rivelano metamorfosi o metafore di qualità umane. Tutto appare sospeso in un’atmosfera misteriosa e incantata.

Stesso incanto che ritroviamo nelle sei tavole tratte da La nana del coquí (2023), libro che illustra una tradizionale ninna nanna portoricana. Qui, un bambino immerso nel primo sonno intreccia esperienze quotidiane e visioni fantastiche, sempre accompagnato da una piccola rana – il coquì, appunto – che tutto osserva. Le pareti di casa svaniscono, degli scatoloni si trasformano in velivoli, curiosi animali fanno la loro comparsa: l’ordinario si trasforma in straordinario, e ogni scena diventa avventura e meraviglia.

Completano l’esposizione le illustrazioni dedicate alla riscrittura del Barone di Münchausen (testo di Chiara Lossani, ancora inedito) che reinterpretano le avventure del celebre personaggio creato da R. E. Raspe. In questa nuova versione, l’aiuto domestico di un eccentrico zio diventa la miccia per una sequenza di avventure esplosive e ogni stanza di casa si trasforma in scenario di imprese strampalate: una regale carrozza irrompe fragorosa in salotto, una vasca da bagno diventa una palude da attraversare e il celebre volo sulla palla di cannone si compie nel cielo chiuso di una cameretta.

Ci piace immaginare le opere di Bardeggia come fossero porte, per entrare nella storia e per tornare poi a casa. Ma quando le si attraversa, ci si accorge che tutto un po’ è cambiato: la casa - proprio come quella del Barone - non è più la stessa, e nemmeno chi la abita. Si entra in punta di piedi, senza sapere bene cosa ci aspetta, e si esce portando con sé un ricordo che prima non c’era, un colore nuovo nello sguardo.

Un grande dipinto accoglie il visitatore che entra nell’antica Chiesa di Santa Croce: Non mi va di cucinare. Un titolo che non lascia spazio a interpretazioni. Un rifiuto netto, urlato attraverso una pittura espressiva e vibrante che diventa subito una dichiarazione di intenti. Un manifesto poetico, una fuga dalle necessità, dagli impegni quotidiani, dalle agende colme di appuntamenti e dai doveri sui calendari cerchiati con la penna rossa.

È il diritto alla pigrizia, all’ozio creativo, al tempo sospeso e dilatato dell’osservazione. Quel tempo in cui si coltivano pensieri, si nutre lo sguardo e si cresce interiormente. È in quel momento di pausa che si rivela la bellezza: nelle cose minime, nei dettagli nascosti, nei frammenti che compongono il puzzle delle nostre vite.

A questo tempo riconquistato rende omaggio Non mi va di cucinare, la mostra che Martina Vanda presenta per Nottenera. Un viaggio domestico e visionario, che parte dalla cucina: spazio quotidiano per eccellenza, focolare e cuore delle relazioni familiari. Ma la cucina che qui si racconta non è più solo il luogo da sempre associato alla donna, ai doveri, alla fatica, al confino sociale. Nella visione di Vanda, la cucina non ha nulla della prigione ma è un laboratorio alchemico, uno spazio di trasformazione dove gli elementi si mescolano, reagiscono, esplodono in nuove combinazioni. Dove il fuoco non consuma ma crea.

Su tele e ceramiche l’artista miscela colori, gesti, materiali come fossero ingredienti di una ricetta segreta. La pittura si fa materia viva, densa, e racconta – con sincerità e ironia– la propria intimità. La stessa intenzione trova eco nella ceramica, materia alchemica e trasformativa per eccellenza, nata dall’incontro dei quattro elementi.

Come un focolare acceso nel cuore della chiesa, prende forma una nutrita raccolta di piatti, vasi, stoviglie: oggetti forgiati e dipinti, abitati da frasi, immagini, figurazioni che sembrano rivelazioni improvvise emerse dalla vita quotidiana. È un piccolo santuario della casa in cui l’ordinario si riveste di qualcosa di sacro. Anche l’oggetto più dimesso – una pentola, un coperchio, una caffettiera – si carica di senso, diventa portatore di memoria e possibilità. Tra i dipinti e le ceramiche, scorrono corpi femminili in movimento, ragazze che fanno capriole, figure indolenti che perdono tempo, ragazzine impertinenti in cerca di risposte profonde (Le Grand Bo, Cold water). Nelle opere di Martina Vanda tutto è vivo: i fornelli scoppiettano, le caffettiere fremono, il colore trabocca come un sugo in ebollizione. C’è ironia e dolcezza, c’è Alice nel Paese delle Meraviglie (Sono sempre le sei, Breakfast) e c’è il tè del pomeriggio, servito da lepri frenetiche sotto orologi rotti, simboli di un tempo che impazzisce e della pausa dopo tanto – rimandato – lavoro.

Tra le ceramiche emergono quattro candelabri, elementi simbolici e luminosi, che trovano risonanza nel dipinto esposto nella cripta (I told you from the starS just how it would be end): un cielo stellato ispirato alla volta affrescata di una vecchia chiesa. Qui la volta celeste non ha più nulla di irraggiungibile, le stelle si addomesticano e il destino si compie, è un cielo amico, foriero di possibilità e nuovi sguardi sulla realtà.

A chiudere il percorso, cinque dipinti esposti nel Giardino della Famiglia Maiolatesi (Spark, Capriola, Wild pot, Coffee pot, Try to set the night on fire). Qui, il mondo figurativo di Martina Vanda si espande, prende respiro e si apre alla luce del giorno. Una ragazza accende i fornelli, le pentole vanno sul fuoco, una caffettiera sta fischiando, il bianco e nero si arricchisce di colore, il gesto ponderato lascia spazio all’espressione. La mostra si chiude così: un momento prima che queste azioni trovino compimento. Non vi è alcuna risposta, niente di concluso. C’è un equilibrio tra fuoco e quiete, tra noia e consapevolezza. Un minuto di distrazione prima di chiedersi allarmati: avrò chiuso il gas?

L’arte di Stefano Fiorina è giocosa e irriverente, si muove sul crinale dell’umorismo e della burla portando in superficie temi spinosi e complessi con apparente semplicità. Tra i nuclei più ricorrenti del suo lavoro vi sono questioni ambientali come l’uso e l’abuso delle risorse e la logica del consumo che tutto divora e tutto trasforma in scarto.

Nella sua pratica artistica è consuetudine l’impiego di materiali di risulta: oggetti trovati, recuperati, raccolti per strada o in luoghi dismessi, spesso residui di lavorazioni industriali. Con questi frammenti, destinati all’oblio, Fiorina realizza oggetti apparentemente provenienti da mondi immaginari e in trasformazione. Negli anni ha costruito bizzarre e colorate maschere, ha imbastito eccentrici abiti e dato vita a un vero e proprio erbario fantastico. Proprio da questa ricerca nasce il progetto “Portatori di luce, fiori dell’aurora”, in cui prende forma una flora apparentemente aliena, un campionario di esistenze sbocciate da un viaggio immaginario e straniante.

L’installazione Petali d’Ombra nella Notte Profonda realizzata per Nottenera a Largo T. Vittori, è nata da alcuni giorni di residenza dell’artista a Serra de’ Conti. Utilizzando materiali plastici recuperati in una fabbrica abbandonata, egli ha creato grandi fiori sospesi che, roteando in aria, creano traiettorie luminose. Sono creature leggere, fragili, che portano con sé un messaggio chiaro: la speranza di una vita che cresce anche nel buio, dentro un presente contaminato dall’arroganza umana. Gettano luce, aprono squarci nella notte. Sono bagliori temporanei, splendenti ed effimeri, destinati a sparire quando il sole sarà alto e la notte un ricordo.

Durante questa stessa notte, Fiorina sarà anche protagonista de Il banchetto itinerante di fiori, una performance che coinvolge attivamente il pubblico. Attraverso un banchetto improvvisato quanto ingegnoso, Fiorina si muove tra i vicoli del paese, alla ricerca della complicità dello spettatore. Chi vorrà, potrà fermarsi e costruire con lui piccoli fiori: un gesto semplice ma carico di senso. Come un pifferaio magico, Fiorina incanta e trascina con sé il pubblico, non verso soluzioni ma verso una pratica condivisa di immaginazione e incanto. Nessuna morale ma solo la possibilità, fragile e luminosa, di esercitare insieme l’arte della meraviglia e della speranza.

In occasione del festival, sarà allestita una postazione per la stampa linocut dal vivo, dove i visitatori potranno assistere all’intero processo artigianale di incisione e stampa manuale.

L’artista realizzerà un’illustrazione inedita dedicata al festival, che potrà essere stampata direttamente dai passanti e portata a casa gratuitamente — un ricordo unico, fatto a mano.

Un’esperienza artistica aperta a tutti, dove la creatività prende forma sotto gli occhi di chi guarda (e stampa!).

Radiocomandero sarà presente anche con un mercatino ricco di stampe e illustrazioni originali, tra colori vivaci, forme e suggestioni visive.

DivertiCirco è un’animazione partecipata, un luogo di sperimentazione e scoperta!
DivertiCirco è uno spazio allestito con giochi di legno, ispirati a quelli di una volta, e oggetti di giocoleria funzionale.

I Giochi in legno, nella loro semplicità richiedono manualità, attenzione, riflessi e ingegno attivando la coordinazione e la sfida con se stessi nel riuscire a portare a termine ogni azione. La Giocoleria funzionale invece riporta i movimenti classici del giocoliere in orizzontale e non in verticale dove la “gravità” costituisce spesso un limite nell’approccio a questa disciplina ed uno stress psico fisico importante. E’ adattata ed inclusiva e focalizza l’attenzione sui processi di apprendimento e non sul risultato finale, motivo per cui coinvolge soprattutto persone con disabilità e non giocolieri. Stimola ritmo e concentrazione dando un’esperienza subito efficace. Ogni oggetto è costruito in legno o con materiali di riciclo.

Il DivertiCirco è adatto a tutte le situazioni perché oltre ai bambini fa giocare persone di tutte le età creando coinvolgimento, scambio ed interazione senza “barriere”

Ha un sapore del tutto diverso visitare le mostre del festival accompagnati dalla parola dell'autore delle opere: le direttrici artistiche propongono una passeggiata di scoperta delle esposizioni del Festival, di dialogo e confronto con gli artisti che manifestano, ognuno con il proprio linguaggio poetico, il tema Tuto è corpo d’amore.

A dialogare con Roberto Catani, Martina Vanda, Jessica Moroni, Stefano Fiorina, Michael Bardeggia e Radiocomandero ci sarà anche Michele Gentili dell’associazione McZee che ha curato tutti i testi critici. Una presenza speciale quella di Spore - Scuola di Campagna che ci offrirà degli approfondimenti.

Tra i giochi di carte italiani il più popolare, tradizionale e trasversale, capace ancora oggi di appassionare persone di ogni generazione, ci incontreremo in strada per sfidarci a briscola.

La partecipazione è gratuita ma l’iscrizione è obbligatoria entro il 21 agosto 2024 al numero 389.6577822

Un inno alla poetica delle piccole cose, alla ricerca dell'essenziale e alla delicatezza della relazione: i teatri in miniatura immergono lo spettatore - uno alla volta! - in mini-storie narrate attraverso burattini e marionette, ombre, manovelle e meccanismi, figure di carta, invenzioni del teatro di figura e del pre-cinema.

In un mondo colorato e un po’ strambo, ogni pezzo ha un suo posto speciale, proprio come ogni bambino è unico e prezioso. Sto a pezzi racconta la storia di un piccolo personaggio che si sente “a pezzi” perché diverso dagli altri.

Attraverso un viaggio fatto di giochi di parole, risate e sorprese visive, ogni pezzo scopre il suo modo di stare al mondo, trovando la bellezza dell’inclusione.

Grazie al video mapping, il palco si trasforma in un mondo magico dove le parole si intrecciano come puzzle colorati e le differenze diventano il più grande tesoro. Un racconto divertente e coinvolgente che insegna ai più piccoli che, anche se siamo tutti diversi, insieme formiamo un’immagine bellissima e completa.

Di e con Giulio Santolini
Dramaturg Lorenza Guerrini
Sound & light designer live Daniele Boccardi
Produzione La Corte Ospitale
Con il sostegno di Ministero della Cultura, Regione Emilia-Romagna residenze artistiche Attodue, Fabbrica Europa/PARC
Si ringrazia CollettivO CineticO, Simone Arganini, Stefano Tumicelli

“Auguro a questa tragedia un pubblico migliore, più rozzo, più immediatamente sincero, più vicino a godere e soffrire, un pubblico popolare”
Antonio Gramsci l’Avanti 14 novembre 1920

Fin dalla sua nascita il teatro ha avuto bisogno di almeno due elementi per esistere: l’attore e lo spettatore. Se inizialmente il confine tra i due ruoli era sfumato, un mondo in cui i rituali collettivi sfociavano nelle rappresentazioni, in cui la città si riuniva e tutti contribuivano alla fruizione del mito, con il passare degli anni e dei secoli la distanza si è fatta sempre più netta. Le abilità richieste per eseguire una partitura sono diventate sempre più complesse, è stata necessaria una separazione e il pubblico ha iniziato ad esigere qualcosa. Più la società si raffinava e più gli spettatori si abituavano a sedere e a ricevere più silenziosamente ciò che il performer aveva da offrire.
Se al tempo dei Duchi di Mantova un attore non gradito poteva rischiare la morte, se durante le prime recite di Moliere il pubblico poteva liberamente abbandonarsi a un piacevole amplesso per scacciare gli sbadigli o persino innescare una rivoluzione, oggi il teatro e gli spettatori si sono fatti più educati, rispettosi, forse meno pericolosi.
Cosa è cambiato? Qual è il rapporto che lega una performance alla sua platea? Cosa succederebbe oggi se il pubblico avesse l’opportunità di esprimere un giudizio nell’immediato, di condannare e punire un attore che non soddisfa il suo gusto?

In KAMIKAZE - spero vada meglio dell’ultima volta - il patto sarà sancito fin dall’inizio con un prologo che romperà fin da subito ogni barriera, fornendo un manuale di istruzioni per accedere al dispositivo. Seguiranno una serie di round in cui Giulio Santolini, insieme all’aiuto del tecnico in scena con lui, sfideranno il gusto, la morale e la noia creando brevi performance che verranno giudicate e valutate immediatamente dalla platea.
Gli spettatori saranno chiamati a seguire l’istinto e dare la loro sentenza.
Al termine di ogni performance ci sarà una votazione: se la maggioranza degli spettatori sarà soddisfatta, al performer verrà dato un premio, se sarà delusa, una punizione.

Quanto è importante la costruzione di un’esperienza orientata al compiacimento del pubblico? Qual è il confine fra cultura e intrattenimento? Cosa ci racconta della nostra società?
La pratica dell’arte può opporsi alle rappresentazioni manipolative e offrire un modello di libertà: un modello non governato da pretese di correttezza, in cui sospendere l’incredulità decostruendo gli stereotipi, facendo esperienza di ribaltamento e anarchia.

C’è una nuova storia “selvatica” che sta accadendo ora, proprio ora. Una storia di natura, di amore e di lotta. Un bosco minacciato - e difeso. Un presidio che si trasforma in un inedito abitare. A Gallarate, tra palazzi e strade trafficate, c’è un pezzo di foresta urbana. Quando ne viene annunciato l’abbattimento, qualcosa si muove: donne e uomini di età e provenienze diverse si mettono di traverso. Alcuni iniziano a vivere nel bosco, giorno e notte, altri a sostenerli e proteggerli da fuori. Si costruiscono piattaforme sugli alberi, si cucina, si discute, si resiste. E intanto quel luogo cambia - cambia chi lo abita, cambia lui stesso.

Due mondi diversi - due gruppi umani distanti per età, linguaggi, modi di stare nel mondo - entrano in collisione. Ma quella collisione sprigiona energia. Forme di lotta diverse si incontrano, si puntellano a vicenda, si danno senso l’una attraverso l’altra. È qualcosa di raro.

Il confine tra questi mondi non è una paratia stagna, ma una specie di membrana osmotica, attraverso cui passano flussi sempre più intensi - di materiali, di parole, di gesti, di sentimenti.

E mentre si lotta, si comincia anche ad abitare davvero. Non solo a vivere nel bosco, ma con il bosco. Un adattamento reciproco, imprevisto. Un apprendimento continuo.

Lo spettacolo intreccia storie vere raccolte durante la protesta per salvare il bosco di via Curtatone. Restituisce le voci dei protagonisti, le contraddizioni, le gioie, la paura dello sgombero, e la bellezza che è fiorita in mezzo al fango.

Un racconto corale, vivo, radicato.
Una zattera teatrale costruita con ciò che resta - e con ciò che resiste.

Bagagli, targhette, regole, annunci, ritardi e cancellazioni. Un viaggio danzato nel mondo del negare e del silenziare: l'artista apre le valigie di donne che hanno lottato, in diverso modo, per la libertà di parola, di azione e di pensiero. Cosa accade quando ad essere cancellato non è solo un treno ma la storia di una persona?

Tra i massimi poeti del secondo Novecento italiano, a Franco Scataglini (Ancona 1930-Numana 1994) si deve l’invenzione di una lingua d’autore che non è né dialetto né italiano convenzionale ma è lo strumento di una totalità espressiva che dal basso della condizione proletaria riscatta quelli che il poeta stesso definisce “muti”, cioè quanti vivono l’esistenza senza la possibilità di lasciare alcuna testimonianza di sé e sono la maggioranza degli esseri umani. Nel corso della sua conversazione, Massimo Raffaeli ne disegna il percorso poetico dall’esordio di E per un frutto piace tutto un orto (’73) a Carta laniena (’82) fino al grande poema terminale (uscito postumo, nel ’95) El Sol.

Il maestro animatore marchigiano dialoga con il direttore di Animaphix Andrea Martignoni attorno alla produzione artistica, dai disegni all'animazione. Autore de Il Burattino e la Balena, l’artista ha ottenuto il Premio del pubblico ad Animaphix 2025, oltre al premio Bendazzi per miglior film Italiano che, in occasione del talk, verrà consegnato.

Una conversazione che prende il via dalla postura politica del lavoro della regista che, per il cortometraggio Le prime volte, sceglie l'animazione come elemento di attivazione e di risignificazione dell'archivio: un’azione filmica non filologica ma di rilettura delle immagini, originariamente girate da registi uomini, che appartengono ora ad uno sguardo femminile.

Un dialogo che vede protagonista la giovane e promettente animatrice Lucia Catalini, a cura del direttore artistico di Animaphix Andrea Martignoni. Il suo film, Nè una nè due, sta registrando un importante successo a livello internazionale ed è in selezione in tantissimi festival con un riscontro di critica e di pubblico di notevole rilievo.

L’immancabile piazza dedicata al cinema d’animazione offre come ogni anno una particolare selezione dedicata ai più piccoli in prima serata. I nostri giovani affezionati potranno emozionarsi incontrando opere straordinarie che raramente potranno essere viste in altre occasioni in Italia. Per questa edizione a guidarci sarà Andrea Martignoni, grande esperto in materia e dal 2020 direttore artistico del festival di animazione Animaphix, uno dei festival più rilevanti del panorama nazionale. Vedremo una selezione delle migliori opere presentate ad Animaphix, una ricognizione mondiale di opere animate d’autore.

L’immancabile piazza dedicata al cinema d’animazione offre come ogni anno la possibilità di vedere opere straordinarie che raramente potranno essere viste in altre occasioni in Italia. Per questa edizione torna ad accompagnarci dentro un intenso viaggio internazionale Andrea Martignoni, grande esperto in materia e dal 2020 direttore artistico del festival di animazione Animaphix, uno dei festival più rilevanti del panorama nazionale. Vedremo una selezione delle migliori opere presentate ad Animaphix, una ricognizione mondiale di opere animate d’autore dedicate al nostro attento e affezionato pubblico adulto con ospiti dal vivo a cui dedicheremo dei talk di approfondimento.

Mio padre mi ha raccontato che, quando era piccolo, suo nonno andava in giro per Serra indossando sempre un cappello elegante. Sotto il cappello c’era un passero, lo aveva addomesticato così che una volta alzato il cappello e liberato con un fischio sarebbe sempre tornato a casa con lui.